Foro de Rock Nacional Argentino

Ahora el artista soy yo



Entrevista a Héctor Pomo Lorenzo. Su primer disco fue Diana Divaga (Los abuelos de la nada), así que sabe bien lo que es estar a la deriva. Y pese a todo, agradece ese mundo incierto que desde el primer momento fue para él la música, en especial el rock. Ahora, una nueva innovación: un trío que se lanza a tocar, y navega en un mar incierto pero conocido. El 11 en boris club se podrá saber hasta dónde llegan.

Qué es una generación? ¿Qué define a ese conjunto de personas que viven en la misma época? Nacidos y criados en las creencias y decires de un tiempo, que a un mismo estímulo responden de manera similar. Así hasta que llegaron ellos, los que aún dan que hablar. Y ya no respondieron a la herencia de sus antecesores, sino que, altivos, patearon el tablero, dijeron que así no y que la verdad estaba de su lado. “Tenemos varios raspones, se nos cayeron algunos motores, perdimos un par de alerones, pero seguimos volando. De eso no te quepa duda. Todas esas personas (se refiere a los músicos que no están, o no están pasando por un buen momento), a las que considero mis pares, hemos entregado la vida a esto. Y es por eso que esa entrega llegó como llegó, caló como caló, marcó la tendencia que marcó. También es injusto que después de haber hecho eso estemos listos para ser descartados. Porque no lo van a lograr, porque somos enfermos terminales y nunca nos vamos a auto descartar. Necesitamos del escenario, del público, de los discos para poder inocentemente derrumbar un poco el paso por este ciclo. Dejar algún documento, en mi caso un disco. Es una manera de perdurar.”

Así de ilusos parecen haber sido allá hace como 40 años Héctor “Pomo” Lorenzo (en adelante Pomo, como se hizo conocer y querer este gran baterista y músico), así de soberbios también en el devenir que los alejaba de ese tan original como bello origen: de otra manera no se habrían alejado como lo hicieron, algunos al límite de mimetizarse a quienes se oponían.

-¿Cuál fue el último tablero que pateó?

-Haberme vuelto de España, donde estuve 12 años, trabajando en la televisión prácticamente como sesionista. O que mucha gente que quiere tomar clases conmigo y en este momento no me dedico a la docencia porque me estoy dedicando a los discos. Son cosas que uno decide dejarlas de lado para que aparezcan otras. Mientras no te decidas a dejarlas de lado, o tenerlas de costado, y seguir a dos aguas a ver cuál de las dos sale una punta, no pasa nada. A ese tipo de pateada de tablero me refiero. Lo cual no quita que algún día vuelva a pasar por eso que dejé de lado. En esta profesión, haciendo hincapié en el agua, estás en un trampolín donde la pileta está vacía, y mientras sigas esperando a que se llene, no te vas a mojar nunca; en el momento en que abandonás el trampolín se llena de agua automáticamente.

-¿Por eso eligió una formación de trío para grabar Asteroid?

-No necesariamente, porque en realidad es un trío atípico: son dos bajistas con dos computadoras. Es decir es una inquietud que nació de un tema de “Binario”, que es mi segundo disco de repertorio, que sigue después de Primario. Y le enviamos un temita a Franov y él lo hizo con sus programas de avi, con todo ese despelote y después cuando vino a radicarse acá a partir de enero, febrero del año pasado, nos decidimos a hacer un disco; sacarnos las ganas. Porque en realidad no es un trío que haya armado yo, son tres artistas que tienen su carrera y su repertorio y se dan el gusto de hacer una cosa juntos en un formato que hasta ahora para mí es inédito.

-¿Por qué?

-Porque compusimos en tiempo real con las computadoras. Todo lo que sucede es una interacción de los músicos con sus instrumentos y las computadoras. Porque no son programas sobre los que nosotros vamos arriba. Es un poco chill out el disco, con mucha ambientación. Pero digamos que es una propuesta diferente para mí. Sobre todo con la capacidad de Franov y Suárez que tienen con el tema de los programas de computadoras.

-Al escucharlo dan ganas de que el disco siga, ¿a ustedes les pasaba lo mismo?

-Sí, sí. Por ejemplo la duración de los temas es totalmente fortuita, porque por más que sepas el guion de la canción, nunca se sabe cuándo va a terminar.

-¿Y en base a qué trabajaban? Porque se supone que aunque sea deberían tener un carril por donde andar, ¿no?

-Es el leitmotiv. Y sobre esos vas armando pequeñas preproducciones que te marquen un poquito el rumbo. En el caso de haber grabado no, porque al ser un soporte fijo, uno tiene que tener una pauta que tenga un desarrollo equis y una duración determinada. Lo que no se va a poder hacer es, por ejemplo, como cualquier banda, que toque el disco en vivo exactamente igual que como está grabado.

-¿Cuánto se tiene que conocer con los músicos para hacer eso?

-Y, bastante. Hay mucho resto. Es un formato bastante arriesgado, porque no hay ninguna pauta fija que cumplir. A cualquiera de los instrumentistas que se le ocurra un idea o un fraseo eso va a ser retroalimentado en el programa durante la canción, y por ahí esa misma retroalimentación lleva a otra ida diferente de la estaba grabada. Así como los músicos proponen sus ideas con sus instrumentos, lo mismo sucede con la compu.

Y ahí llega un mozo a tomar el pedido que ya había tomado una de sus compañeras y a la que le indicaron hacer otra cosa, pero a la que el nuevo mozo no preguntó a quién había tomado el pedido. Entonces hay sorpresa en la mesa, cosa que no agrada al mozo. “Es que estamos todos tercerizados”, dice Pomo. ¿Cómo sería eso? Y, todo tiene un intermediario. Y las risas explotan. El periodista apunta en qué estaba la charla, y Pomo dice: "Sí, hace falta un resto. Con Suárez hace más de cinco años que estoy trabajando, fue bajista de mi banda, es quien produce conmigo, y Franov hace un montón de años que no lo veo, pero son esas personas que la vez después de un tiempo largo es lo mismo que si las hubieras visto ayer. Al mismo tiempo son músicos con mucha capacidad. Porque en el vivo es mucho más arriesgado que en un disco. En un disco tenés una preproducción, lo podés acomodar. En el vivo es una cosa que nadie sabe dónde va ir a parar, y para eso hace falta mucho resto, para que uno pueda pulular por ciertos lugares sin quedar al descubierto en una cosa que no estaba pautada.

-¿Puede haber músicos que se asusten?

-Sí, creo que sí, ja ja. Yo soy un enfermo terminal: no voy a dejar de trabajar hasta el último día. Siempre da un resquemor, un miedo, una incertidumbre abarcar un nuevo proyecto, pero es la única manera de seguir vivo, lo demás es defender el pasado. Éste no es un grupo que tenga un líder. Somos tres personas que tienen su propio repertorio, sus discos, y nos damos el gusto de abarcar un formato libre en la expresión sobre todo, donde cada cual pueda hacer lo que quiera. Es una incertidumbre muy placentera, de alguna manera conocida; no es una sobre la que te quedan dudas. Ese mundo creo que le pertenece a los músicos que saben improvisar, un poco el concepto del jazz, que es un poco lo que hay en el disco, una especie de fusión.

-¿Cómo se consigue el resto?

-Me refiero a tener una cierta experiencia, cierto piso técnico, un sinfín de comodidades. Además es muy interesante en vivo: las imágenes están sincronizadas con el audio, y están los locos con la computadora metiendo y sacando ideas de las que se están expresando arriba del escenario, y eso es muy piola. Es un formato que no me pertenece a mí, le pertenece a Franov, que viene haciendo en Europa. Y como decía Miles Davis: no se preocupen por los errores, que no existen. Y eso es bienvenido, sino no daría lugar a nuevos formatos, desde luego. Lo que pasa es que soy bastante prejuicioso con las tergiversaciones de los parámetros que no se deben mover.

-¿Como cuáles?

-Los orígenes de los diferentes géneros. Si querés recrear un tango, o el jazz, géneros muy originales, muy comprometidos, hasta qué punto vas a mover la ficha. Si tocás un tango bien tocado en un sintetizador, es una cosa, y si escuchás a un tipo tocando ese tango en un bandoneón, mejor. Ahí tengo mis pruritos. Porque si no, el disco de Asteroid sería más Creamfields de lo que es. Podría serlo, sin embargo no es así. Es un disco digital que al mismo tiempo no lo es, porque todos los sonidos, salvo la batería, que es acústica y tocada de pe a pa cada toma, real time y después sumado a los playbacks, todo lo que escuchás, que vendrían a ser todos los programas de la computadora, los instrumentos que están sonando, son todos instrumentos análogos. Todos. No hay un solo sintetizador que suene en ese disco que sea un sonido que viene seteado en la marca del instrumento que te compraste. Están todos los sonidos hechos con sus osciladores, lo mismo que comprar una pizza en la esquina o el bollo de masa en la fábrica de pastas, o que te pongas a amasar y lo hagas de pe a pa todo vos. Eso es un gran laburo, una cosa muy difícil de hacer.

-Ustedes amasaron.

-Sí. No hay un solo sintetizador digital. Lo que pasa es que te da una identidad, es único, porque no sonás a nadie. A eso me refiero con el tema de la tergiversación: que puede tergiversar algo que está modificando el género tímbricamente, más allá de temáticamente, pero que ese mismo timbre lo pueden tener los Tucu Tucu, los Wachiturros, Charly García o Miranda! jaja. No. Los sonidos de Asteroid son absolutamente hechos a mano. No están en ningún disco, en ningún programa de ninguna computadora. Hay que hacerlos a mano. Hay que sentarse y armar ahí los osciladores, perilleo, perilleo, perilleo hasta que te queda un sonido que decís: éste no está en ningún lado; éste queda. Tiene ese encanto. A eso me refiero: hasta qué punto uno puede tergiversar o puede mixturar algún tipo de género con algún otro para que sea una vertiente saludable para ambos géneros y no sea una cosa que defenestre el género que estás invadiendo. Hasta ahora me lo he permitido y lo logré. A través de todos los discos que hice y a través de todos los proyectos en los que estuve. Proyectos o artistas para los cuales trabajé. Me hacés acordar del primer bandoneón que sonó con Invisible en “Las golondrinas de Plaza de Mayo”. O “Los libros de la buena memoria”.

-Decía que va a seguir hasta el último día, y la batería parece exigir mucho físico.

-Hasta ahora voy bastante bien, porque no tengo cosas raras; me cuido bastante. Pero sí, es un instrumento que requiere mucho físico, sobre todo que uno esté bien. Hay diferentes estatus. Una cosa es grabar, estar en boliches, teatro, y otra cosa es estar de gira. Eso es muy pesado, demanda mucho cuerpo, mucha cabeza, mucho cuidado, mucha vitamina, entrenamiento, mucha pesa, mucho todo. Igual ahora tengo un aliciente: no sólo tengo la batería, tengo mis temas, mis letras, tengo otras cosas de dónde tirar. Fabrico mis discos, soy autor, compositor, hago las letras, las tapas, tengo más cosas con qué entretenerme. Ahora el artista soy yo, ese trabajar para el artista trabaja para mí, entonces como que la batería se torna una cosa secundaria, que era en lo único que me interesé hasta que pateé algunos tableros y dije: quiero hacer un disco mío.

Ese fue el otro tablero que pateó años después de volverse de España, de donde regresó solicitado por Fito Páez para grabar Circo Beat. “Nunca estuve con el artista que más me convenía, estuve con el que más me colmaba, es la única manera que puedo cuidarle las espaldas. De hecho fui muy selectivo en mi carrera y son contados con los dedos los compositores con los que trabajé. En ese sentido soy de la vieja escuela: armar proyectos en común, bandas o grupos o estar atrás de un artista determinado para hacer tres o cuatro álbumes.

-¿Una especie de guardaespaldas a alguien en quien sostener la propia vulnerabilidad?

-Es un formato que llevo en la sangre. Después de haber crecido en el colegio y la adolescencia con Pappo, de haber viajado con él y de hacer Pappo's Blues 3 y de haber hecho 17 años con Luis (Alberto Spinetta), seis con Páez, es mi formato cuidarle las espaldas al artista. Es un puesto clave en la música eléctrica, y no me refiero a ningún género en especial.

-¿Al empezar con la música pensó que todo derivaría en esta idea de un sonido groove, de ritmo, como si fuera todo una sesion inmortal?

-El jazz es un groove, lo que pasa es que lo tenemos bajo otro concepto: lo vemos desde el hoy y no desde el ayer. Tiene un determinado formato, no hay un bit declarado, el bit está en el charleston, el tambor no puede sonar más fuerte componente, son cosas que tienen un respeto por el género en sí mismo, pero que son muy maleables de fusionar. Por eso los músicos para este formato tienen que tener un resto, porque es algo que está pautado pero la pauta no está: es como mantener un leitmotiv y recrearlo; como lo que hacen los músicos de jazz cuando improvisan, improvisan alrededor de una idea. Y de hecho la forma de los temas de jazz es un leitmotiv y un desarrollo de la idea con la improvisación alrededor de ella.

-Y parece menos estructurada la música de hoy, como si la se dejara llevar más a la deriva.

-Yo lo tomo como una cosa natural, porque siempre estuvimos a la deriva jajajaja, desde el principio: mi primer disco fue Diana divaga, en el '68, más deriva que eso. Por eso que no acabe en miedo, porque en realidad se trata de darse el gusto y abrirse a campos nuevos, sobre todo con mi banda tenemos la estructura tradicional de temas, abc punto y aparte. Pero este no es el caso. Hacer un disco de esa naturaleza no me habría seducido, porque para hacer el mismo formato prefiero usar la energía en mi banda. Es una cosa totalmente aleatoria, distinta y en la cual uno se puede dar el gusto de navegar en unas aguas muy inciertas pero muy conocidas. Por eso digo que tiene mucho que ver que los músicos tengan resto, no cualquiera podría abarcar un formato así.*


Por Jorge Belaunzarán - asterisco.infonews.com/nota-172663-Ahora-el-artista-soy-yo.html